Wie können wir uns die Verwandtschaft von morgen durch eine systemische Linse neu vorstellen und uns den Bedürfnissen des Generationenübergreifenden, des Kollektivs, des Neurodiversen, des Schamanen und des Dummen stellen? Ich verwebe meine Praktiken als Choreografin und Familienaufstellerin, um ein neues Layout des Zusammenkommens zu schaffen und die Teilnehmer einzuladen, choreografiertes Gesellschaftstanzen, Singen, Trommeln und klangverändernde Technologien in diesem Bereich zu erforschen. Meine Arbeit untersucht, wie diese Werkzeuge verwendet werden können, um durch Gesang, Klang und Bewegung auf ein vorverbales Verständnis von sich selbst und anderen zuzugreifen.
Ich dachte, dieser Artikel wäre am effektivsten, wenn ich Sie zu einer Geschichte mitnehmen würde, die tief in meine Praxis eintaucht, eine Erzählung hinter den Kulissen, wenn Sie so wollen, meiner letzten Tanztheatershow Constellations, die im Juni 2019 in Sadler's Wells präsentiert wurde.
Im Sommer 2018 begann ich mit der Arbeit an dem, was once als zweistündiges Treffen in der Runde gipfeln sollte, ein Stück unkonventionelles Tanztheater, das an der Kreuzung eines Wanderzirkus, einer dunklen Komödie, Gesellschaftstanz und a phantasmagorischer Membership, der von Archetypen der westlichen Kultur bewirtet wird. In den atmosphärischen Umgebungen, die wir entworfen haben, wurde das Publikum eingeladen, zu überdenken, wer die marginale und dominante Rolle in sozialen Räumen einnimmt. Wer führt und wer folgt? Wer ist zuständig? Führt der Choreograf immer Regie? Ist der Lichtdesigner immer hinter einem Lichtpult fixiert? Sollen die Techniker nur hinter den Vorhängen arbeiten und schwarze Kleidung tragen? Können die Mitarbeiter des Theaters auf sinnvolle Weise Teil der Display sein? Kann das Publikum entscheiden, welchen Weg die Display nehmen wird? Gender Fluidity und Social Dancing wurden aufgerufen, um neue Wege des Verständnisses zeitgenössischer Sozialpolitik und meiner Forschung zum „radikalen Miteinander“ zu erkunden. Dies beinhaltete nicht nur die Einladung für Publikum und Performer, auf direkte Weise zu interagieren, sondern auch für Künstler mit radikal unterschiedlichen künstlerischen Praktiken, Sendezeit und Bühnenraum gleichzeitig zu teilen und einen Weg zu finden, durch ihre Unterschiede aufzutreten und künstlerische Überzeugungen.
Der Beginn unserer Schaffensperiode umfasste die Besiedlung zweier verfallener Kirchenstandorte in London, um die frühe Entwicklung des Werks zu präsentieren. Die erste Veranstaltung fand in der Caroline Gardens Chapel statt, die sich in einem ehemaligen Armenhaus aus dem frühen 19. Jahrhundert befindet und heute als Asylum Chapel bekannt ist. Der zweite Raum, den wir bewohnten, struggle die Welsh Chapel, eine ehemalige presbyterianische Kirche in Soho, die jetzt von der Kunstorganisation Stone Nest betrieben wird.
Die Handlung von Constellations folgt den Archetypen der Hexe und des Narren und hinterfragt ihre historische Beziehung zur Geschlechterrepräsentation und den Räumen, die sie besetzten. Was once würde mit unseren zeitgenössischen Vorurteilen passieren, wenn die Popkultur Hexen als Männer und Narren als Frauen darstellen würde oder das Geschlecht in der Präsentation dieser fiktionalisierten und ästhetisierten Figuren insgesamt abschaffen würde? Wir können Jahrhunderte geschlechtsspezifischer patriarchalischer Darstellungen nicht rückgängig machen, von Dürers Radierungen und Goyas Gemälden bis hin zu Disneys Animationsfilmen. Wir können jedoch unermüdlich eine choice Darstellung von Archetypen und heutiger Folklore im 21. Jahrhundert praktizieren, wenn wir sie zuerst als geschlechtslose Einheiten verstehen können. Beim Besuch von Asylum Chapel und Stone Nest bat ich meine Mitarbeiter, mit ihrem Gespür in die Geschichte der Räume einzutauchen, von denen keiner den Hexen und Narren der viktorianischen Gesellschaft des 19. Jahrhunderts oder der queeren Clubszene der USA fremd struggle 1980er; Individuen, die von normativen orthodoxen Ansichten ausgeschlossen sind, die heutzutage eher als neurodivers als als verrückt oder verrückt bezeichnet werden könnten.
Ich struggle sehr an Traumageschichten interessiert, die sich Technology für Technology an denselben geografischen Orten wiederholten. Ein Teil der Untersuchung von Constellations über die von uns bewohnten Architekturen bestand darin, diese Geschichten zu erspüren, die in Gebäuden nachklingen können, die verlassen wurden, ihre Funktion und/oder ihren Zweck verloren haben. Wie Man Debord in seiner Advent to a Critique of City Geography feststellt: „Die Psychogeographie könnte sich das Studium der genauen Gesetze und spezifischen Auswirkungen der geografischen Umgebung, ob bewusst organisiert oder nicht, auf die Emotionen und das Verhalten von Individuen zum Ziel setzen.“ (Debord, 1955)
Wir haben bewusst in den Geist der Kirchen gespürt, während wir uns auf die körperlichen Empfindungen eingestellt haben, die durch das Tanzen in solchen Umgebungen entstehen. Wir verfolgten unsere eigene Aufregung, Angst, Neugier, Wut und Liebe, die bei uns und später bei unseren Zuschauern aufkam. Wir haben auch gelernt, das zu erkennen, was once nicht zu uns gehört, sondern zu den Geschichten der Materialien, die uns umgeben. Wir haben diese Räume verlassen, um die Erfahrung zu ehren und unsere Beziehung zu den Archetypen, zu denen wir uns im Laufe des Projekts entwickelt haben, weiter zu gestalten.
Schließlich luden wir das Publikum in den Prozess ein. Die Frage, mit der wir uns beschäftigten, struggle: Wie kann eine Gruppe von Performern, die die Ahnenlinie einer historischen Stätte kanalisieren, dieses transgenerationale Treffen und somatische Empfinden auf einen Fremden übertragen und vermitteln. Berührung und Konversation in Bewegung waren eine der Möglichkeiten, wie wir uns diesem immensen Feld näherten, das heißt, indem wir strukturierte Formen des Gesellschaftstanzes einführten, hauptsächlich Walzer. Bei einem solchen Engagement wurde das Publikum aufgefordert, den wahrgenommenen Bühnenraum in den Kirchen zu besetzen und unbekanntes Terrain zu betreten, während die Darsteller sie von ihren Sitzen wegführten. Was once in diesem Second geschah, ist schwer zu beschreiben. Die Darsteller, herausgeputzt in Drag, Makeup und Kostüm, waren nicht nur als sie selbst präsent, sondern verkörperten auch den Geist des Raums, in dem wir uns befanden. In diesem Second, als die Mitglieder des Publikums zum Tanzen eingeladen wurden , sie beteiligten sich auch an einem Gesellschaftstanz mit längst verstorbenen Charakteren, Narren, Hexen, Vorfahren, die in den Böden und Wänden einer verfallenen Architektur weiterleben.
Ein paar Wochen vor der Premiere von Constellations struggle ich ratlos, wie all diese unterschiedlichen Praktiken und Felder zusammenkommen würden. Es struggle zu einer Herausforderung geworden, die unterschiedlichen künstlerischen Praktiken der zusammenarbeitenden Künstler in eine zusammenhängende Display zu integrieren und gleichzeitig eine Fülle von Inhalten beizubehalten, die aus jedem unserer ortsspezifischen Kirchenbesuche generiert wurden. Was once haben wir gelernt, als wir in den Kirchen aufgetreten sind? Wie könnten wir möglicherweise die Unermesslichkeit der Geschichten vermitteln, die wir in einem sich ständig verändernden, neutralisierten Theaterraum empfanden? Wie verhandeln wir oft unausgesprochene Verträge mit einem Publikum, das wir noch nie zuvor getroffen haben? In diesem Stadium beschloss ich, eine systemische Aufstellung für die Arbeit selbst zu ermöglichen, bei der die Display in ihrer metaphysischen Essenz zum Problemträger oder Kunden wurde, die Besetzung zu Teilnehmern ihrer eigenen Aufführung wurde und ich als Moderator im Dienste von fungierte die Absichten des Projekts.
Eine Gruppe von 20 Freiwilligen aus der Tanz- und Therapeutengemeinschaft Londons schloss sich uns an diesem Nachmittag an, wo wir untersuchten, was once passiert, wenn der Klient kein Mensch ist, sondern eine Idee, die von einem menschlichen Vertreter phänomenologisch verkörpert wird. Die Darsteller wählten sich selbst Repräsentanten aus, Fremde, die keine Loyalität gegenüber der internen Dynamik, den Dramen und der Geschichte der Besetzung hegten. Repräsentanten traten für die Display, alle Darsteller, das Publikum, das Licht, den archetypischen Wolf und die Establishment ein. Geräusche und Bewegung waren die Hauptkommunikatoren, ab und zu ein paar Sätze, aber die nonverbale Modalität dominierte den Raum. Das Ende der Aufstellung erfolgte schweigend, als Tränen zu fließen begannen, Körper sich im Rhythmus bewegten, hin und wieder ein Heulen zu hören struggle, sich jeder Einzelne dorthin bewegte, wo er sich im Raum zugehörig fühlte. Vielleicht struggle es ein Höhepunkt, wie dieser viszerale Second der Resonanz und Empathie, den wir in einem Theaterstück spüren, das zu unserer eigenen Geschichte und unserem Leben spricht. Die Sitzung endete mit Umarmungen und herzlichen Abschiedsgesprächen zwischen Personen, die sich noch nie zuvor begegnet waren. Die folgende Woche wurde fleißig damit verbracht, diese Erfahrung zu integrieren, bevor CONSTELLATIONS Hunderten von Zuschauern präsentiert wurden, die nicht den gleichen Luxus der intimen systemischen Aufstellung gehabt hätten, die wir an diesem Tag im Tanzstudio erlebten.
Ich habe die Handlung dieser experimentellen Konstellation verwendet, um den Erzählbogen der Display aufzubauen, indem ich die entwickelten Hinweise und Sätze als Hinweise auf die Rolle des Lichtdesigners, Perioden musikalischer Intensität und Stille, wo die Display beginnen sollte, verwendete, wo es enden soll, um schließlich den rechtmäßigen Platz jedes Darstellers in der Display zu finden. Jede nachfolgende Aufführung struggle in gewisser Weise eine Wiederholung dieser Konstellation, die sich jeden Abend entwickelte, wenn ein neues Publikum am Rand des Feldes saß und den Kurs unseres Bootes ein Netz von Flüssen entlang änderte, jedes eine neue Möglichkeit.
Was once ich abschließend vorschlage, ist eine Einladung, die Artwork und Weise, wie wir uns versammeln, und die Praktiken, die wir dabei teilen, zu überdenken. Architektur dient hier einem zentralen Zweck. Es ist ein Container, der Leistung und Interaktion enthält; es hält soziale Choreografien wie systemische Aufstellungen bereit. Meine bisherige Forschungs- und Performancearbeit legt nahe, dass wir uns mit den Räumen befassen müssen, zu denen wir derzeit Zugang haben, den Gebäuden, die einem oder mehreren Zwecken gedient haben und nun auf ein neues Leben warten. Das Erspüren der geosozialen Herkunft dieser Räume bietet eine effektive Möglichkeit, eine Geschichte zu erzählen, Theater zu machen. Die Übersetzung dieser Geschichte vom Darsteller zum Publikum birgt die Möglichkeit, Empathie zwischen den Lebenden und den Toten, den Vergessenen und den Vermissten zu erzeugen. Auf diese Weise könnten vielleicht Menschen aus verschiedenen Kulturen zusammengebracht werden, wo Glaubenssysteme, kulturelle Silos und somatisches Wissen in Stille und tiefem Respekt ausgetauscht werden können. Unsere imaginären Architekturen, virtual oder physisch, werden zum Mittel für ein viel einfacheres Ziel, das der Verbindung.
Stefan Jovanovic ist ein interdisziplinärer Architekt, Choreograf, Therapeut und künstlerischer Leiter der Tanzarchitektur-Kompanie Studio Stefan Jovanović und der Therapiepraxis Kinship Constellations.
In seiner Praxis verbindet er Erkenntnisse aus einem Jahrzehnt spiritueller Selbstentwicklung, Pflanzenmedizin, somatischer Wahrnehmung, Stimmfreigabe, zeitgenössischem Tanztraining und Traumaheilung mit Visualisierungstechniken, Berührung, Gespräch und Bewegungstherapie. Sein künstlerischer Ansatz und seine Sensibilität verschmelzen traditionelle SE®-Traumatherapie-Equipment und Kenntnisse des breiteren systemischen Feldes mit einer tiefen körperlichen Weisheit der Bewegung und der Leistung des Selbst. Er moderiert auch Gruppensitzungen für künstlerische Kollektive, darunter Tanz- und Theaterkompanien, akademische Programme, Get started-ups und Unternehmen, die die Teamdynamik entwickeln und verbessern möchten. Seine aktuelle Forschung dreht sich um die Entwicklung neuer Techniken zur Integration von Gesundheits- und künstlerischen Praktiken sowohl in therapeutische als auch in Theaterumgebungen. Seit 2012 arbeitet er intensiv mit dem baskischen Schamanen Manex Ibar zusammen. Bis heute hat er Dr. Peter Levine und Betsy Polatin in ihrem Workshop „Trauma within the Public Eye“ assistiert; untersuchen, wie SE® darstellenden Künstlern helfen kann, bei der Bereitstellung ihrer Kunstform authentischer zu werden.
Seine professionelle Karriere in den darstellenden Künsten beschleunigte sich, als er als ansässiger Tanzkünstler an der Sadler's Wells Summer time College (2015-2018) aufgenommen wurde. Während seiner Zeit dort entwickelte er enge Kooperationen mit anderen Tanzinstitutionen in ganz London, darunter Siobhan Davies Dance und London Recent Dance Faculty. Er arbeitet häufig mit dem Choreografen Jonathan Burrows zusammen, der in seiner Arbeit 52 Portraits mitgewirkt hat, und ist Dramaturg für Burrows und Fargions aktuelle Efficiency-Reihe Track for Lectures. Er struggle die dramaturgische und szenografische Unterstützung für Lettres d'Amour (2020) von Pau Aran Gimeno, No-How Generator (2019) von Matthias Sperling, Blackbird (2018) von Katye Coe und Strains du Serpent (2016) & Le Corps Écrivains (2016) von Mark Lorimer.